KVIFF 2022: Joyland, Vesper, Moonage Daydream
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Ich bin mir nicht mehr sicher, was normal ist. Ich weiß nur, dass wir Moment für Moment, Sekunde für Sekunde, durch Ecken in einer Realität navigieren, die immun gegen Definitionen ist. „Normal“ in den letzten zwei Jahren ist zu lernen, dass das Morgen das Wichtigste im Leben ist. (Und nach einem anstrengenden Flug, bei dem mein Flug annulliert, dann verspätet und mein Gepäck verlegt wurde, was mich dazu veranlasste, mich auf den heutigen Tag zu stürzen. Die Vorstellung von morgen fühlte sich beruhigend an). Aber was sich als ebenso nahrhaft angefühlt hat, kommt morgen endlich.
Und es kam in voller Kraft bei der 56. Ausgabe des Karlovy Vary International Film Festival an. Von einer mitreißenden Eröffnungszeremonie bis hin zu einem Kader bekannter Gesichter gibt es hier viele Zeichen der Normalität. Aber was mich am meisten beeindruckt, abgesehen von der wunderschönen Pseudo-Renaissance-Architektur und den überfüllten Kopfsteinpflasterstraßen dieser grünen, von Bergen umgebenen Stadt, ist ihre Lebendigkeit und ihr Alter. Das KVIFF ist zwar eines der ältesten Filmfestivals der Welt, aber ich bin begeistert davon, wie viele Teenager und Erwachsene im College-Alter hier sind, sich für jeden Film anstellen und das Beste des Weltkinos genießen. Es ist ein freudiger Anblick, der mich weniger pessimistisch in die Zukunft blicken lässt. Solange Festivals wie KVIFF die nächste Generation inspirieren, wie kann man dann kein Optimist sein?
Da passt es irgendwie, dass mein erster Film an meinem ersten vollen Tag das Regiedebüt des pakistanischen Filmemachers Saim Sadiq war: „Freudenland.“ Ich sage „etwas“, weil „Joyland“ – Gewinner des Un Certain Regard-Jurypreises von Cannes und Queer Palm – nicht besonders fröhlich ist. Es ist eine bittersüße und melancholische Befragung von Sexualität und Geschlechterrollen, die nur sehr wenige Schläge zieht.
Haider (Ali Junejo) kann es seinem traditionellen Vater (Salmaan Peerzada) nie recht machen. Während seine Frau Mumtaz (Rasti Farooq) glücklich als Friseurin arbeitet (sie genießt ihre Unabhängigkeit), bleibt Haider zu Hause, um zu kochen und zu putzen, sich um seinen rollstuhlfahrenden Vater zu kümmern und die Töchter seines Macho-Bruders Saleem (Sohail Sameer) zu babysitten. und seine Schwägerin Nucchi (Sarwat Gilani). Um sich zu beweisen, braucht Haider dringend einen Job.
Ein alter Freund bietet ihm einen Auftritt als Ersatztänzerin für Biba (Alina Khan) an, eine exotische Transgender-Tänzerin, die als Pausennummer schmachtet. Der steinfüßige Haider wird sofort von Biba eingenommen. Sein Erwachen bedroht den Ruf seiner Familie und setzt seine Frau unter Druck.
Sadiq und Co-Autorin Maggie Briggs verstehen es, aus Haider einen komplexen, aber fehlerhaften Charakter zu machen, ohne ihn vollständig zu verunglimpfen oder freizusprechen. Haider hat oft Mühe, sich gegen seinen Vater zu behaupten; er gibt auch seinem Bruder nach. So sehr, dass er sich ihren erwarteten Geschlechterrollen beugt, indem er zustimmt, Mumtaz zu einer Frau zu machen, die zu Hause bleibt, und versucht, Kinder zu bekommen – zwei Ergebnisse, gegen die Mumtaz steht. Aber Haider ist feige und damit egoistisch. Letzteres bringt ihn mit Biba in Konflikt, obwohl die beiden eine aufkeimende Liebe entwickeln, weil Haider ignoriert, wer sie wirklich ist. Und alles bricht auf tragische, herzzerreißende Weise über Haider zusammen.
Visuell bieten Sadiq und Kameramann Joe Saade („Costa Brava, Libanon“) Beschwörungskompositionen: tiefe Schärfentiefe und intelligente Blockierung – in einer provokativen Geschichte. Sadiq zeigt auch ein wunderbares Gespür für Klang, insbesondere Dynamik, besonders während der Tanzsequenzen: Eine wird von den Handys eines ganzen Publikums beleuchtet und zu schwindelerregenden Enden bearbeitet. Und die Schauspieler sind einfach wunderbar, besonders Junejo, Khan und Farooq – die als Trauernde um ihre aufgeschobenen Wünsche ein verheerendes Dreieck bilden. Der Film enthält ein paar sich wiederholende Szenen, aber das gequälte Ende macht „Joyland“ zu einem mutigen und eleganten Statement.
Kristina Buozyte und Bruno Sampers „Vesper“ betrifft ebenfalls nicht realisierte Träume. Ein postapokalyptischer Thriller über eine Umweltkatastrophe, die sich über eine trostlose Sci-Fi-Landschaft erstreckt – die Hauptdarstellerin (Raffiella Chapman) ist ein brillantes Mädchen, das am düstersten Rand der Zerstörung lebt. Vesper könnte so viel mehr sein, wenn sie nur zur technisch fortgeschrittenen Zitadelle gehen könnte. Aber ihre Mutter ist vor einem Jahr gegangen. Also verbringt sie ihre Tage damit, nach Material zu suchen, um ihre synthetischen und biologischen Experimente durchzuführen, während sie sich um ihren gelähmten Vater kümmert.
Ihr Vater begleitet sie auf ihren Wanderungen dank eines zerebral vernetzten, kopfförmigen, sprechenden Droiden, der mit einem Smiley verziert ist. Vater und Tochter führen ein zerbrechliches Leben, das noch weiter auf den Kopf gestellt wird, als ein paar Schiffe der Citadel abstürzen. In den Trümmern findet Vester Camellia (Rosy McEwen), eine Frau mit vielen Geheimnissen und Heilkräften, die ihren Vater sucht. Camellia verspricht Vesper einen Ausflug zur Zitadelle, wenn sie ihren Vater finden kann. Aber Vespers skrupelloser Onkel Jonas (Eddie Marsan als kaltblütiger Creeper) hofft, Camellia gegen eine Belohnung auszuliefern.
In Buozyte und Sampers Science-Fiction-Streifen geht es eindeutig um die Beziehung zwischen Eltern und Kindern. Die Maßnahmen, die Vesper und Camellia ergreifen, um ihre jeweiligen Väter zu beschützen, sind von der selbstlosen, pflichtbewussten Tochter, die nie an sich selbst denkt. Der oberflächliche Dialog hält nicht immer stand, und man könnte meinen, jemand wie Vesper, der so viel Tragödie und Unglück erlebt hat, würde zumindest einen Anflug von Bitterkeit oder einen Makel tragen. Stattdessen handelt sie wie ein treuer Androide, dessen größter Fehler darin besteht, sich zu sehr zu sorgen.
Die Hauptattraktion von „Vesper“ ist jedoch der fantasievolle Weltaufbau von Buozyte und Samper. Durch eine Mischung aus robusten praktischen und visuellen Effekten stellen sie eine Schar skurriler, pflanzenähnlicher Organismen her, die auf mehreren Ebenen einzigartig sind. Jede Textur, von der nassen, kühlen Luft bis zum baufälligen Holz von Vespers Haus, ist zu spüren. Und die Charaktere, insbesondere Marsan und Chapman, bauen reiche Innerlichkeiten auf. Ein letzter Showdown zwischen Vesper und den alptraumhaften Citadel-Sturmtruppen macht die sehr geduldige Laufzeit die Reise wert, auch wenn das Ende des Films auf einem Turm in diesem packenden und erfinderischen Abenteuer eine Frage zu viele zu beantworten scheint.
Während „Vesper“ in nicht allzu ferner Zukunft spielt, ist Brett Morgens bildgewaltige Dokumentation „Mondzeit-Tagtraum“ befasst sich mit einer Person, die aus der Zukunft zu kommen schien: David Bowie.
Durch seinen wirbelnden Erzählstil deckt Morgen die Spannweite von Bowies vielfältigen künstlerischen Entwicklungen ab: von seinem androgynen bisexuellen Weltraumfremden über seine Schauspiel- und Malerkarriere bis hin zu seinem späteren Elder Statesmanship – es ist eine vollständige Erzählung, die typische biografische Plots vermeidet. Tatsächlich hofft man oft, dass ein Dokumentarfilm so interessant ist wie sein Thema. Und Morgens Film ist nicht nur faszinierend. Es ist die perfekte Verbindung zwischen Thema und Ästhetik.
Die erste Hälfte kommt in einem Rausch und Knall in der „Ziggy Stardust“-Phase des Künstlers an, als Morgen Bowies Auftritte mit einer chaotischen, kaleidoskopischen Explosion kinetischer Farben unterbricht. Ab da beruhigt sich der Dokumentarfilm; während Bowie anhand von Archivinterviews in Late-Night-Shows sein Leben und seinen kreativen Prozess erzählt. Der Film verlangsamt sich nie genug, um sich routiniert anzufühlen. Vielmehr scheint das bewusste Tempo von Morgen in der zweiten Hälfte zu Bowies eigener meditativer Reise um die Welt auf der Suche nach sich selbst zu passen, die zu einigen seiner besten Musiken führen würde: Insbesondere die Darbietung von „Heroes“ ist eine herausragende komponierte Sequenz von scharfer Bearbeitung und beeindruckender Geschlossenheit.
Indem Bowie sozusagen die Chance bekommt, seine eigene Geschichte zu erzählen, zeigt sich eine Tücke: Zu seinen Lebzeiten hat der Künstler über jede Phase seiner Karriere gesprochen, bis auf seine letzte: „Blackstar“. Das liegt natürlich daran, dass er zwei Tage nach der Veröffentlichung an Krebs starb und nur das Album und ein herausragendes Musikvideo hinterließ. Aber Morgen kennt einen Workaround. Denn „Moonage Daydream“ verfolgt nicht nur die kreativen Veränderungen im Leben des Hitmachers. Es betrifft seine Gedanken zur Sterblichkeit. Bereits in seinen Zwanzigern arbeitete Bowie daran, den Tod zu verstehen, und sprach viel darüber. Die Zusammenstellung von Soundbites zeichnet im Wesentlichen auf, wie der Sänger zu einem Zustand geistiger Behaglichkeit gelangte, in dem er „Blackstar“ machen konnte.
Auf Schritt und Tritt ist Morgens Film eine bombastische, überreizende, ergreifende, lebensbejahende und risikofreudige Zusammenfassung des Ethos des Künstlers und seiner Reifung als Person. Kurz gesagt, „Moonage Daydream“ ist der Film, den Bowie stolz gemacht hätte.
